THE SHINING

Existen películas que se convierten en paradigma de otras. Este el el caso de The Shining o El Resplandor. Desde la idea de reproducir el escenario real en un set de filmación, hasta las actuaciones llevadas al límite, este filme se ha consagrado dentro de la historia del cine como una de las mejores que hay. En su momento, el público se vio aterrorizado con las gemelas al fondo del corredor, no obstante, esta es una película que en ocasiones se vuelve cómica, tal y como lo es el buen cine de terror.

Existen dos elementos que quiero destacar: primero, la gama de tonalidades pastel utilizadas en la película y sogundo, la presencia de los niños en ella. Por un lado, existe un niño al que no queremos que nada le pase, puesto que se ve amenazado tanto por los fantasmas del lugar (es el único que se adelanta a lo que va a suceder) como por su propio padre. Pero también, se trata del más fuerte de la familia, que hasta cierto punto logra salvar a su madre. A su vez, existen las gemelas antes mencionadas, ¿nos causan lástima? No lo creo. Stanley Kubrick, sabiendo que un niño posee esta ambivalencia terrorífica, no solo recurre a mostrar una, sino dos niñas que han perdido todo rastro de inocencia, y que no sabemos cómo van actuar.

RASHOMON

Película estrenada en 1950 justo cuando Japón había perdido en la Segunda Guerra Mundial. Rashomon por tanto, significó la apertura a la libertad y originalidad dentro de la cultura occidental, hasta convertirse en un referente obligado dentro de la industria fílmica. Sin embargo, el cine oriental es complejo. En Rashomon los personajes aparecen sobreactuados, esto, aunado a un idioma con el que no estamos familiarizados, complica aún más su disfrute.

Supuestamente, Kurosawa era vetado de occidentalista dentro de la industria oriental, de ahí que sus proyectos fueran constantemente rechazados y tildados de “extraños”. Resultó de ser una pleícula de bajo presupuesto pero de gran calidad, primero, por la originalidad del guión y segundo, por su excelente puesta en escena. Para mi sin embargo, esta película ha sido la más difícil de apreciar…

es.wikipedia.org/wiki/Rashōmon

RAGING BULL (TORO SALVAJE)

Historia en la que se narra la vida del boxeador Jake La Motta, a través de la excelente actuación de Robert De Niro. Joven número uno en la categoría de los pesos medios, que aparentemente logra la fama y el éxito., un dia se percata de que a pesar de todo lo que ha vivido, su vida es un fracaso. De ahí que el personaje se nos presente como un animal que se expresa entablando relaciones violentas. Se trata de un antihéroe (perdedor) colocado en el centro de la narrativa, con actitudes machistas y de celos enfermizos que destruyen su vida.

Martin Scorsese optó por un tratamiento en blanco y negro de la película, con la idea de disminuir la violencia visual generada por el tema de la sangre y los combates. Asimismo, se valió del ring como espacio en el cual se plantean los estados animicos del personaje, que filmados en slow motion, enfatizan la tensión y la sensación de clastrofibia (distorsión del tamaño del ring).

La fotografía de la película estubo a cargo de Michael Chapman. Su trabajo guarda relación con el de De Carava. En ambos existe la idea de selección para enfatizar una idea dentro de la narración. En palabras de John Szarkowski “Resaltar algo del contexto es la esencia del oficio de fotógrafo. Su problema central es muy simple: ¿qué debe incluir, qué debe rechazar? La línea de decisión entre dentro y fuera es el margen de la fotografía. Mientras que el delineante empieza en el centro de la hoja, el fotógrafo empieza por el marco (1)”.

Es así como la fragmentación de los combates se convierten en el recurso por excelencia, tanto del director como del fotógrafo, haciendo de esta película una obra maestra.

De Carava hombre con portaolio

1. Szarkowski, John, Looking at Photographs: 100 Pictures from the Collection of the Museum of Modern Art, MOMA, EU, 1973

EL TERCER HOMBRE

Se trata de una novela policiaca propia del famoso cine negro. Éste, es un género cinematográfico desarrollado en Estados Unidos en la década de 1940. El tema pricipal de este género es el hecho delictivo, la historia del criminal y las persecuciones policiacas, en donde la intriga y el misterio son el ingrediente más importante. En cuanto a los aspectos formales, estas películas suelen estar filmadas con una iluminación con la que se provoque el efecto de claroscuro, para enfatizar el pesimismo fatalista de los personajes, y de la escena en general. Asimismo, el exterior sirve a los directores para filmar escenas cargadas de humedad y sombras, que por su construcción formal, se acercan fuertemente al trabajo de Brassai:

Un Un aspecto fundamental en estas películas y en específico en El tercer hombre, es el papel que interpretan los buenos y los malos. Como espectador, resulta desconcertante el no tener a los personajes definidos dentro de una de estas dos categorías. El héroe nos resulta ser el antihéroe y la que parecía ser una perfecta historia de amor, adopta un inesperado final pocas veces visto en el cine hasta ese momento. Es la mujer desprotegida, sin nadie en quien contar y supuestamente engañada, la que decide seguir su camino sola, renunciando a lo que pudiera ofrecerle el personaje de Joseph Cotten.

Por otro lado, cabe destacar la gran participación de Orson Wells en esta película, así como el trabajo musical de Anton Karas y el de Robert Kraser, quien se llevara el Oscar a la mejor fotografía en blanco y negro.

www.jornada.unam.mx/2007/04/08/index.php?section=cultura&article=a06n1vox

www.alohacriticon.com/elcriticon/article1198.html

es.wikipedia.org/wiki/El_tercer_hombre

www.filmaffinity.com/es/film357391.html

A WOMAN UNDER THE INFLUENCE

Película realizada por John Cassavetes en 1974, en la que se muestra el drama de un un hombre sencillo, con el gran reto de cuidar de una mujer emocionalmente desequilibrada. La compleja interacción de esta pareja, conduce a los actores a la improvisación. La forma de hacer cine de Cassavetes, consistía en considerar las ideas y sugerencias de los actores, otorgándoles a éstos la posibilidad de enriquecer al personaje tanto y como éstos fueran capaces.

A woman under the influence es a su vez, el retrato de un hogar que no funciona en tanto la mujer tampoco lo haga. La falta de amor no es el problema al que deben de enfrentarse los personajes, como tampoco a los problemas comunes que aquejan a muchas familias disfuncionales. Se trata por tanto, del tema de la enfermedad emocional –que no mental- que es llevada a su máxima expresión gracias a la maravillosa interpretación de Gena Rowlands.

Muchos han sido los artistas a lo largo de la historia del arte, que han considerado el tema de la inestabilidad emocional, tal como Van Gogh, Munch o Ron Mueck.

Van Gogh

Ron Mueck

Munk

PERSONA

Para el año de 1966 el cineasta Ingmar Bergaman se propuso la dirercción y producción de Persona, película que decidió escribir mientras se encontraba hospitalizado a causa del estrés. Se trata de una obra que rompe con los convencionalismos dentro del cine y que a su vez, provoca en el espectador la necesidad de reflexionar sobre lo que implica toda relación humana que supera el nivel superficial, para tratar sobre los aspectos más íntimos y reconditos de una persona.

Se trata del proceso curativo que viven dos mujeres, que aisladas completamente de todo, comienzan a interactuar entre ellas, hasta llegar a convertir su relación en una especie de caracter simbiótico. Esto lo logra Bergman mediante el recurso de la repetición, en donde el plano que habla, que en este caso es Bibi Anderson en su personaje de Alma, se corresponde con el contraplano de quien escucha, el cual está representado por Liv Ullmann (Elisabeth). Este último personaje simboliza el silencio a lo largo de toda la película; se trata de una actriz teatral que durante una representación de Elektra se queda sin habla. Al llegar al hospital, la enfermera encargada de cuidarla, asume la responsabilidad de sacarla del mutismo en el que ésta se ha refugiado.

Ambas protagonistas se corresponden con Elektra y su hermana Crisótemis, tanto en lo que significan en la historia como en la manera en la que interactuan entre ellas. Elektra busca vengar la muerte de su padre y todos sus esfuerzos están encaminados a consegirla, en tanto que Crisótemis se presenta como la antítesis de Elektra y lo único que espera es llevar una vida normal al lado de un hombre y tener hijos. A lo largo de la obra existen monólogos -tal y como los de Bibi Anderson-, el tema de la culpa, la tortura del remordimiento y la compleja relación de los personajes femeninos, así como los diálogos planteados como una serie de preguntas y respuestas, que en el caso del personaje de Anderson, éstas son respondidas con los silencios de Liv Ullmann.

Al respecto, cabe mencionar el importante papel que juega el silencio, tanto en Persona, como en toda la obra de Bergman. En este sentido, el paisaje se constituye como el medio por excelencia del cual de vale el director para enfatizar las emociones, el cual nos dice mucho de lo que a su vez, sucede en el interior de estas mujeres. La relación, por tanto con Hammershoi, resulta evidente y crucial para comprender el sentido poético en el trabajo de Bergman, quien mediante la sencillez y la pureza de las formas, se centra en un contenido compejo, pero que nunca le es ajeno al espectador, ya que parte de profundas experiencias humanas.

es.wikipedia.org/wiki/Electra

L ´ ATALANTE

El tema principal de L´Atalante es el amor. Se trata de una pareja de recién casados que se embarca en un pequeño buque, donde su única compañía es el viejo piloto. Básicamente son tres personajes que se ven obligados a interactuar, contándonos una historia poco verosímil por lo fantasiosa que nos resulta, pero que sin embargo, contiene una dosis de realidad inherente al ser humano y que se refiere, al tránsito hacia la liberación de lo que parecería ser la única posibilidad de los personajes (conductas, formas de sentir, de expresarse, etc.). Por tanto, el giro que da Juliette es crucial en el desenvolvimiento de los protagonistas, así como medular para lograr la interacción de los mismos.

De estos tres, cabe destacar la gran actuación de Michel Simon, quien interpreta al viejo exéntrico de comportamiento fetichista –“solo cosas hermosas” diría su personaje-. Una escena clave para comprender la complejidad del personaje, es cuando éste le muestra a Juliette sus tatuajes, colocando un cigarro en su ombligo. Su actuación podría tener matices de improvisación, no obstante es gracias a ésta, de la que probablemente Vigo se valió para explicar el papel del marinero dentro de la trama.

Para Jean Vigo L´Atalante significó su único y más importante largometraje. Podría uno preguntarse sobre la importancia de una obra cuya trama argumental resulta ser minima, la cantidad de escenarios es limitada y la actuación de los personajes es hasta cierto punto y entrecomillado, predecible. No obstante, L´Atalante se merece un lugar destacado dentro de la historia del cine. Su significación como película que transita del cine mudo al sonoro, le permite conservar la tradición de una forma de iluminación casi poética (cualidad documental de la imagen) de los escenarios, los rostros y cuadros en general. A su vez, lo narrativo no compite con la importancia de aquello que va registrando la cámara ni con el tratamiento expresivo del sonido.

Jean Vigo gustaba del cine de Chaplin, Buñuel y René Clair principalmente, de ahí el matiz onírico y la improvisación en la película. Incluso, algunos elementos de la escenografía parten del universo propio del surrealismo, de los cuales se vale el director para enfatizar el hecho de que una vez efectuado su matrimonio, Jean y Julliete se están adentrando a un mundo totalmente nuevo una vez llegados al barco. En el universo de L´Atalante el juego y la magia son un factor muy importante. A propósito, podría decirse de la escena en la que el viejo Jules pasa el dedo por el fonógrafo y éste suena, o el juego amoroso entre los recién casados, cuando Juliette le dice a Jean: “en el agua se ve al enamorado”, puesto que lo vio en el agua antes de que éste apareciera en su vida y por esto mismo, lo pudo reconocer. Por tanto, L´Atalante supone el viaje de dos enamorados que transitan entre la realidad y la fantasia, en un juego de encuentros y desencuentros en lo que podría ser la clara definición del amor para Jean Vigo.

Goffredo Fofi en La cultura del novecientos, cine y música, Tr. Silvia Tabachnik, vol. 6 editorial Siglo XXI, México 1997 p. 53

Quim Casas Moliner, Análisis y crítica audiovisual, editorial UOC, España 2006